Genero Contemporaneo - Siglo XX-XXI
Arte de acción
Definición.-
Es aquella que trata de plasmar una escena en una obra de arte.
Clasificación.-
- Performance.- Tiene planificado el desarrollo o sigue un guión.
- Happening.- No tiene un final planificado es decir no se sabe en lo que terminara.
- Bodiar.- Este tipo de arte es plasmada sobre un cuerpo humano.
- Instalaciones.- Es el que maneja un espacio interior o exterior artisticamente.
A continuación analisaremos tres ejemplos de cada una de la clasificación de el arte de acción.
Performance
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| Transfiguración, Oliver sagazan |
Olivier de Sagazan, nace
en el Congo en 1959, actualmente reside en Francia. Es Pintor, performance y
sobre todo escultor, Olivier nos deja una obra con una marcada obsesión por el
horror y la muerte. Tal vez su pasado como médico tenga algo que ver en todo
esto. Sus obras estan expuestas al rededor de todo el planeta como en Brasil,
Estadus Unidos, la India, etc. Ya que estas obras son grabadas en video y
expuestas de esta forma asi que no podemos indicar cual es el lugar exacto
donde el las expone. Concebido en un barco que viajaba
entre Bordeaux y Brazzaville, Olivier de Sagazan emplea su dualidad y “falta de
origen” para darle una transición inminente al cuerpo de su obra. “En esencia
mi trabajo es un himno a la vida, un intento de comprender lo que significa
estar vivo”, revela el artista quien utiliza su propio cuerpo como un elemento
esencial para expresar su angustia y fascinación con el peso de vivir. Sus
obras surgen a partir de un proceso de transfiguración en el que el artista
evoca sus propios miedos e interpretaciones de la mortalidad para crear en sí
mismo un lienzo viviente, en las cuales usa una composición muy rara marcada
por un ritmo de transformación macabra. Transmite un profundo sentimiento hacia
lo oscuro y lo bello en un claro sentido contradictorio que no deja impasible
al público, tambien las obras de Sagazan tratan de expresar o manifestar un mensaje sobre como el hombre se
va transformando a medida que el tiempo transcurre. Al momento de analizar las
obras de Olivier podemos concluir que su antiguo pasado esta influyendo
visiblemente el los performance que el hace, en sus obras vemos como un hombre
se va transformando o convirtiendo en un ser terrorifico, que para mi punto de
vista es la manera que un hombre se descompone al transcurso de su vida. (Campuzano, 2013)
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| ¨Vomitar Arcoiris¨, Millie Brown |
En una entrevista Millie Brown respondio asi cuando le
preguntaron : ¿Quién es Millie Brown? Nací en Inglaterra pero cuando tenía 4
años mi familia se mudó a Andalucía. Recuerdo que vivíamos en lo alto de una
montaña entre Málaga y Marbella, en un establo transformado en una casa sin
electricidad o retrete. Siento mucho cariño por España la verdad. Luego nos
volvimos al Reino Unido cuando mis padres se divorciaron, y más tarde, a los 9 años,
me mudé a Francia. Dejé de estudiar a los 17 para mudarme con mi novio
punk. Después de una breve temporada allí, me fui a Londres donde junto con el
grupo artístico Wowow" me instalé en el edificio Peckham. He vivido en Londres desde entonces,
viviendo y trabajando en varios espacios de ámbito creativo, colaborando con
gente impresionantemente inspiradora. No encontramos un lugar donde exponga sus
obras ya que son fotografias y videos que recorren el mundo por el internet y
revistas. Usa un ritmo al mesclar colores hasta que llega a conseguir una
estabilidad y equilibrio. Brown dijo Para mí la belleza reside en lo que la
sociedad no acepta. Vomitar el arcoíris despierta y desarrolla en mí deseos y pensamientos
primitivos que sólo puedo encontrar en mi subconsciente. La sociedad
siempre nos condiciona a ver el acto de vomitar como algo vulgar, yo desafío
este pensamiento con emociones y aspectos visuales diferentes, la belleza para
mí es algo distinto. El resultado final me deja la sensación de una pureza
vivida en mis propias carnes. Los
performance de Millie Brown tratan de corregir el acto de vomitar que
representa repucnacia ya que lo convina con color que de una u otra manera lo
logra ya que todos imagina que en este acto lo unico que saldra de su boca son
cosas asquerosas. (Avia, 2010)
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| "Cuerpo artista -cuerpo publico", Marina Abramovic |
Marina
Abramovic nacio en Belgrado, Yugoslavia el 30 de noviembre
de 1946,
artista
serbia
del performance
que empezó su carrera a comienzos de los años 70.
Activa durante más de tres décadas, recientemente se ha descrito a sí misma
como la "Abuela del arte de la performance".
El padre de Abramović abandonó a la familia en 1964. Abramović estudió en la Academia de Bellas Artes de Belgrado entre 1965 y 1970. Completó sus estudios
de posgrado en la Academia de Bellas Artes de Zagreb, Croacia en 1972. Entre 1973 y 1975 enseñó en la Academia de Bellas Artes de Novi Sad, mientras preparaba su primera
performance solista. "Cuerpo artista -cuerpo publico" esta expuesta en el Museo de
Arte Contemporaneo en Valencia, España, (exhibición itinerante), creado en 1988. Marina
definitivamente trabaja con la luz, creando un contraste con entre su
vestimenta y en el fondo una intensa luminosidad. El
trabajo de Abramović explora la relación entre el artista y la audiencia, los
límites del cuerpo, y las posibilidades de la mente. Sin
embargo, los objetivos Abramovic poco tienen que ver con el sensacionalismo.
Sus performances resultan una serie de experimentos que pretenden identificar y
definir los límites en el control sobre su cuerpo; la relación entre el público
con la performer; del arte y, por extensión, de los códigos que gobiernan la
sociedad. Su ambicioso y profundo proyecto se encamina a descubrir un método, a
través del arte, que haga a la gente más libre. Ella ha dicho: "Estoy
interesada en un arte que perturbe y rompa ese momento de peligro; por eso, el
público tiene que estar mirando aquí y ahora. Deja que el peligro te concentre;
esta es la idea, que te concentres en el ahora". Me di cuenta que lo que
trata de mostrar es que miremos el arte por que es publico y ella quiere hacer
un arte de su cuerpo. (Anonimo,
2001)
Happening
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| "18 happenings en 6 partes", Allan Kaprow |
Allan
Kaprow nació el 23 de agosto
de 1927
y falleció 5 de abril de 2006 fue un artista estadounidense
pionero en el establecimiento de los conceptos de arte de performance. También
ayudó a desarrollar las instalaciones artísticas y los happenings a fines de los años cincuenta
y sesenta. Sus happenings,
alrededor de doscientos, fueron evolucionando a lo largo de los años. Con el
tiempo, Kaprow cambió su práctica en lo que él llamó “Actividades”,
relacionando íntimamente piezas para uno o varios jugadores y dedicadas al
examen de los comportamientos y hábitos cotidianos de una manera casi
indistinguible de la vida ordinaria. A su vez, su obra influye en Fluxus,
el arte de performance y la instalación artística. Es célebre su frase “La línea entre el arte y la
vida debe mantenerse tan fluida, y quizás indistinta, como sea posible”. La
obra “18 happening en 6 partes” fue presentado en la
Galería Reuben en Nueva York, durante el otoño de 1959. Esta formado por
espacios modulares, mantiene los colores neutros. Estos cuartos estaban formados por unas sábanas de
plástico semitransparente, pintadas y con collages que hacían referencia a la
obra previa de Kaprow; por paneles en los cuales se pintaron palabras, y por
hileras de fruta de plástico. Involucra una audiencia desplazándose junta
tratando de comunicar vivenciado elementos tales como una banda tocando instrumentos
de juguete, una mujer exprimiendo una naranja y pintores pintando. Su trabajo
evolucionó, y se volvió menos organizado e incorporó más actividades
cotidianas. Trato de comunicar lo que era un happening, mostrando en esta obra algunas
actividades como cómicas, también indico
la felicidad que cada personaje sentía al momento de realizar dichas
actividades, me parece interesante ya que fue el pionero en mostrar un
happening. (Wikipedia,
2015)
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| Spencer Tunick |
Tunick nació en los Estados Unidos
en Middletown en el condado de Orange de Nueva York
en el seno de una familia judía. En 1986, viajó a Londres donde tomó fotografías de desnudos en un paradero de
autobuses a los montones de desnudos en Alleyn's School en el salón inferior en Dulwich,
en el Municipio de Southwark. Posteriormente obtuvo un Bachelor of Arts
de parte del Emerson College en 1988. es un controvertido fotógrafo estadounidense de origen judío cuya especialidad es fotografiar masas
de personas desnudas en disposición artística. Obtuvo una titulación en
Ciencias por el Emerson College en 1988 y ha recorrido Europa y América en pro de su arte
escénico. Es muy conocido por sus fotografías de grandes masas de personas desnudas dispuestas en artísticas formaciones
a menudo situadas en localizaciones urbanas y conocidas como Instalaciones. Surgen de
estas imágenes una serie de tensiones al observador entre los conceptos de: lo
público y lo privado, lo tolerado y lo prohibido, la moral y lo inmoral o lo
individual y lo colectivo. Sus fotografías son tomadas alrededor de todo el
mundo dando como escenarios paisajes de los países que visita. Trata de
mantener un orden al momento de fotografiar, no asume una jerarquía. Entiende
el arte como un lenguaje polisémico, es decir, sin asimilar una estética, trata
de revelar la metamorfosis del cuerpo con el paisaje del lugar. Al ser un
fotógrafo muy criticado por las fotografías que toma creo que los mensajes que
quiere transmitir a través de estas son muy claros, primero veo “La igualdad”
que trata de representar, ya que todas las personas tenemos los mismos
derechos, por otro lado veo “El patriotismo” que las personas expresan al
desnudarse por su país. (Birlanda,
1993)
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| "Obsesión Infinita", Yayoi Kusuma |
Yayoi Kusumo nació
en Matsumoto, Nagano, Japón el 29 de marzo de 1928 Comenzó su carrera artística
en la década de los años cincuenta. Sus inicios estuvieron muy marcados por la
influencia de la pintura tradicional japonesa y por los pensamientos obsesivos
y las consecuencias de sus crisis alucinatorias, que la artista atribuye a los
malos tratos sufridos en su infancia. Así nació el concepto que la artista
llama redes de infinito,
grandes superficies cubiertas por lunares que constituyen desde entonces su
elemento plástico más característico, su seña de identidad. En 1957 abandonó Japón para vivir en
los Estados Unidos. Durante su estancia en Nueva york, estableció rápidamente
su reputación como un líder en el movimiento avant-garde. Organizó “happenings” extravagantes en lugares
visibles y concurridos como el Central Park y el Puente de Brooklyn. Fue
enormemente productiva, y contó con Joseph
Cornell y Donald Judd
entre sus amigos y seguidores, pero no logró beneficiarse económicamente de su
trabajo.Su trabajo comparte algunos atributos del feminismo, minimalismo,
surrealismo, Art Brut, pop y expresionismo abstracto. Ella misma se describe
como una artista obsesiva. Su obra está impregnada de contenido autobiográfico,
psicológico y sexual, e incluye pinturas, esculturas, performances e instalaciones.
Después de un año recorriendo América
Latina, específicamente México, Brasil y Argentina llego a Chile, Rosario Norte
660, Las Condes, a unas cuadras del Metro Manquehue y casi frente al Parque
Araucano. La repetición, los patrones, fuertes colores, son elementos de su
estética, mantiene el ritmo con los colores. La obra “Obsesión Infinita” apunta
a someter al espectador a una alteración del espacio cotidiano, considerando
que por petición de la artista, los objetos son seleccionados según la
idiosincrasia de cada país donde se realiza la exhibición. Visualizando la obra
pude notar clara mente el mensaje de la obra, existe la repetición de colores y
objetos lo cual representa una obsesión. (Jorquera, 2015)
Body Art
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| "Marcas Registradas", Vito Acconci |
Vito Acconci nació en Nueva York
el 24 de enero
de 1940
es un artista y poeta estadounidense cultivador del llamado arte corporal,
derivado del minimalismo escultórico. El proceso artístico de Acconci
sigue un camino singular y complejo. Se inició artísticamente como poeta a
mediados de los años sesenta. En sus obras trabajaba con la página en blanco
como un espacio en el que se podía actuar, utilizando las palabras como objetos
para el movimiento, y la página como un contenedor.Sus acciones poéticas
pasaron del papel a la galería de arte. Proponía una nueva definición del
objeto material y un espacio de encuentro entre el espectador y el artista.
Empleó el vídeo hasta 1980, evolucionando a partir de aquí hacia lo que
él mismo denominó arquitecturas autoenderezables. En su faceta de provocador,
exponía su propio cuerpo ocultando el pene entre sus
piernas para aparentar un cuerpo femenino. En abril de 1972, en la Galería Sonnabend de Nueva York, aparecía masturbándose
bajo una rampa por la que circulaba el público asistente, mientras por un
altavoz se oían sus fantasías. Esta obra es expuesta en la de la galeria
Stadler entre la década de los 70 y 90. Usa una Fotografía solo en blanco y
negro. Si el arte puede aparecer en distintos
lugares geográficos, entonces una pieza puede derivar del lugar en el que se ha hecho; si un lugar físico es parte de un espacio
cultural, entonces los espectadores llegan a un lugar artístico con historias,
presente en las noticias; si hago arte de un lugar a otro, entonces traigo mi
propio lugar ese era el mensaje que quería transmitir. En esta obra creo que
Vito quería expresar el daño que cada persona se hace a si misma mordiéndose a
si mismo el tobillo y dejando una huella de su mordida. (Ramirez, 2015)
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| Chris Burden |
Chris Burden estudió artes visuales,
física
y arquitectura
en la Universidad de Pomona (Universidad de California), en Irvine, de 1969 a 1971. Para su tesis de 1971 presentó la obra
Five Day Locker Piece, una performance
en la que se encerró durante cinco días en su taquilla, lo que provocó una gran
polémica entre el personal docente. En 1978 llegó a ser él
mismo profesor en la Universidad de California (Los Ángeles), una posición de
la que dimitió en 2005 debido a una controversia con la universidad sobre la obra
de un estudiante graduado que recreaba una del propio Burden en que se habría
puesto en peligro a muchos miembros del profesorado incluido el propio Burden
(alguno de ellos presentes en el evento). La performance utilizaba
pretendidamente una pistola cargada, pero las autoridades no fueron capaces de
probar esto. Murió el 10 de mayo de 2015 en su casa de Topanga Canyon, 18 meses
después de que le fuera diagnosticado un melanoma. También dijo: cuando hablamos de body art estamos hablando de un concepto
muy amplio y que muchas veces tan solo tiene relación con esta corriente en el
hecho de que utilizan al cuerpo humano como materia prima principal de la obra
u obras, aquí a lo que nos referimos es la corriente del body art que fue un
movimiento perteneciente a las nuevas vanguardias por los años 60 que surgió
como reacción critica y en un determinado marco histórico, no confundirla
con el concepto amplio y que puede englobar a infinidad de artistas cada uno
con su estilo que puede ser mas o menos radical, comercial, siniestro, dulce,
triste, alegre, agradable, desagradable,... obviamente las distintas opciones
para un tipo de arte que tenga como base el cuerpo humano son enormes. Esta
obra muestra a una persona privada de la libertad para mi esto significa la
esclavitud. (Tony, 2013)
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| "Two Stage Transfer Drawing", Dennis Oppenheim. |
¨Arquitectura
y escultura van de la mano en nuestro tiempo. Lo aseguraba con convicción
Dennis Oppenheim, uno de los grandes valedores de 'land art', pionero de 'body
art', nacido en Electric City, Washington en 1938 y fallecido el pasado sábado
en Nueva York a causa de un cáncer con 72 años. El creador conceptual
estadounidense tenía varios conjuntos escultóricos en España, los dos mayores
en Valladolid y Madrid. El último lo inauguró él mismo en 2007 con una visita
relámpago a nuestro país, donde expuso su obra en la última década. Su última
pieza española es una pequeña ciudadela de acero y hierro plantada en una
rotonda a la entrada de la villa de Navalcarnero, 35 kilómetros al suroeste de
Madrid. Se titula 'Crystal garden' ('Jardín cristalino'). La primera escultura
de Oppenheim en España fue 'Stage set for a film' (Decorado para una película)
quedó instalada en 1998 en el paseo de Zorrilla de Valladolid. También tiene
piezas urbanas en Palma de Mallorca, Mula, Murcia y Medina del Campo. Esta obra
fue expuesta en Pamplona en el año de 1972. Trata de mostrar dos etapas de la
vida con un padre y su hijo de diferentes edades, y la transferencia de genes
por medio de su dibujo ya que el hijo hace el mismo dibujo que su padre. Este
body arte muesta la trasnsmicion genetica por medio de dos dibujos
completamente iguales. (Alandete, 2011)
Instalaciones
¨Suspended¨, Mona Hatoum
El Premio Joan Miró consolida su calidad y su eficacia con la exposición de Mona Hatoum (recordemos que los ganadores de las dos ediciones anteriores fueron Olafour Eliasson (2007) y Pipilotti Rist (2009)). Gracias a este esfuerzo económico de la Fundación Miró y a la Fundació La Caixa tenemos la oportunidad de ver un recorrido exhaustivo por las obras de esta artista libanesa afincada a caballo entre Londres y Berlín. Una vez más, el edificio de Sert se mimetiza con las obras que recibe, en este caso, instalaciones, vídeos, esculturas y fotografías de grandes dimensiones, que parecen diseñadas específicamente para este museo. El visitante descubre cuarenta piezas creadas en los últimos veinte años, salvo “Turbulence” que se ha ideado especialmente para esta ocasión. Si empezamos por el final podemos desvelar que “Turbulence” es una alfombra de cientos de canicas trasparentes que inquieta al espectador por su fragilidad y sus reflejos. Hatoum desvela que no sabe cuántos quilos de canicas ha utilizado pero que ha conseguido el efecto que perseguía para sorprender a la gente. “Es una pieza tranquila, quieta… pero que crea turbulencia y una sensación de incomodidad”, añade la artista. También sorprende su jardín de columpios bautizado como “Suspended” donde vemos treinta y cinco columpios cuyos asientos están tallados con los mapas de varias capitales del mundo en alusión a la constante migración humana y su inestabilidad. “Suspended” se vio por primera vez en 2011 en el extrarradio de París, una zona especialmente delicada por la migración.
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| Fabian Burgy |
Fabian Burgy es escultor de profesión y su trabajo, poco a poco, ha ido abarcando los terrenos de la instalación y la intervención, dentro de las que es reconocido por combinar lo mejor de la técnica tradicional con las nuevas tecnologías. Las instalaciones de Burgy parecen ser azarosas; implican, también, una postura desde el diseño: siempre espacios cerrados con piezas blanco y negro, lo importante es rescatar la versatilidad de los materiales con los que se puede construir algo alejado del punto de origen. El artista logra imágenes visualmente poderosas en las que participan la estética minimalista y el simbolismo que desafía los límites entre lo real y lo efímero. En años recientes, Burgy trabaja con imágenes digitales para complementar sus ideas. “La obra de Burgy se caracteriza por cumplir un proceso ligeramente violento y perturbador de la transformación, sustracción y la disfunción de las cosas”. Con una carrera de más de 15 años, Fabian Burgy actualmente trabaja como creativo digital y escultor independiente en su natal Suiza. La ciudad es una instalación, todo está pensado para situarlo en cuatro paredes inmaculadas: las nubes bajan al pavimento que parece abrirse como el mar con Moisés. Una tinta negra se esparce y abre un hoyo negro en el que ya un remolino se lleva el caos, la desesperación, el individualismo, los rencores y todos los males que habitan el mundo que no se forma en la mente de un creador.
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| ¨This is a love story¨, Pamen Pereira |
Artistas Ecuatorianos
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| Luigi Stornaiolo |
PINTOR.- Nació en Quito el 9 de Junio de 1956. Hijo legítimo de Bruno Stornaiolo Miranda, Psicólogo clínico y periodista, autor de la novela "Réquiem por un Dinosaurio", de un volumen de cuentos y de otros libros, y de Angela Pimentel Franco, naturales de Napoles y Quito respectivamente. El segundo de una familia de cuatro hermanos. Estudió en el Colegio salesiano Cardenal Spelman y vivía en la Cordero y Amazonas. De siete años se enfermó de gripe y su padre le obsequió el libro "Cómo dibujar" para que se distrajera mientras guardaba cama. Aún conserva el libro y cree que su lectura fue la primera motivación que recibió hacia el arte. Su madre, muy hábil para todo tipo de artesanías, cose, teje, cocina y hacía perfiles pequeñitos de personas amigas, lo que siempre llamó poderosamente su atención. Su abuela paterna Anna Miranda Lalama, vivía su viudez en la casa de al lado, fumaba y conversaba mucho, jugaba naipes y pronto se lo llevó con ella para que la acompañara, además es autora de un poemario impreso bajo el título de "Risas y Lágrimas".
Hapenning.- Hombres con mujeres en un prostíbulo
Caricatura.- Viejos amigos
Happening.- Borrachos en una cantina
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| Mario Fernando Garcia
Nació un 12 octubre de 1970 en la ciudad de
Ibarra. Cuando niño se trasladó a vivir a la ciudad de Ibarra, donde conoció a
su esposa quien había nacido en octubre de 1942 ambiente artístico literario
fue inspirado por su familia. Por parte de su madre, hubo una importante vena
artística ya que su madre había incursionado en la música, incluso participó en
recitales permanentes en la Radio Municipal La Voz de Imbabura. En esta
familia, la mayoría de sus miembros eran virtuosos en algún instrumento
musical. Como influencia importante de su vida. Terminados sus estudios
secundarios, inició la carrera de artes plásticas en la antigua Facultad de
Artes de la Universidad Central del Ecuador. Entre
sus exposiciones constan: La III exposición en la Facultad de Artes de la
Universidad Central del Ecuador, arte, tecnología y sociedad en el museo del
Ministerio de Cultura, entre sus
trabajos se enmarcan dentro de una teoría del arte biológica y contextual
|
Parte de su proyecto ¨Cholificar el arte occidental¨
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