Arte Integral

Historia del Taj Mahal

En el año de 1607 cuando el Príncipe Imperial Yurram, también conocido como el emperador musulmán Shah Jahan, conoció en la ciudad India de Angra, exactamente en un bazar a la princesa Arjumand Banu Begun que tenia 15 año. La leyenda cuenta que la princesa se estaba probando un collar de diamantes que costaba 10000 rupias, el príncipe al ver esto se acerco y pago del collar ya que el tenia dinero, y asi conquisto el corazón de la princesa.

El queria casarce con ella pero no podia por que no era de su rango asi que se caso con la hija del rey de Persia. Pero nunca se olvido de Arjumand. Pero el podia casarce con 5 mujeres asi que espero 5 años y cumplio su sueño.

Se caso en 1612 por que no le permitian, el dia de su boda el emperador nombro a Arjumand como la perla del palacio.

Fue su cuarta esposa y con ella tuvo 12 hijos, luego fue Coronado el Rey del Mundo, era muy bondadoso. La empreratriz lo acompañaba a sus viajes, pero en 1631 en uno de sus viajes, Mumtaz Mahal murio dando a luz al decimo cuarto hijo, era una niña llamada Gauhara Begum, Mumtaz antes de morir le pidio al rey que se casara otra vez, que fuera bueno con sus hijos y que le construyera una tumba para que le visite cada aniversario de su muerte. Transtornado Jahan se encerro en un cuarto 8 dias sin comer ni beber, luego se encerro en su palacio por un año. En 1631, Traslado el cuerpo de Arjumand al palacio imperial. El Qizo contruirle la mejor tumba del mundo pero su actual esposa no le dejo. Asi que el emperador mando a construer el complejo de edificios del taj Mahal. El maestro de obras fue el turco Listad Isa y, cuenta la leyenda que, cuando el edificio estuvo acabado, Jahan ordenó cortar su mano para impedir que pudiese repetir una obra semejante. (Anonimo)

La catedral de Notre Dame

Fue contruida entre los años de 1163 y 1245 en la Ile de la Cité , de aqui es que nacio Paris. Es una iglesia catedral de estilo gótico considerada una de las más Antigua del mundo, El nombre de esta cathedral significa Nuestra Señora y fue contruida en dedicación a la Virgen María. Es sus 8 siglos de vida la iglesia a sido remodelada en varias ocaciones, una reformacion importate fue realizada a medida del siglo XIX. A lo largo de estos años se contituyeron los arbotantes, se insert un roseton sur, se remodelaron las capillas y pusieron algunas estatuas, Esta por 5 naves, capillas laterales, El ancho transepto se sitúa casi en la mitad de la longitud de las naves y resalta poco en planta. La capilla mayor esta rodeada por una girola de doble nave, las torres miden 69 metros de alto y se ubican en su fachada, para poder llegar hasta la cima de estas torres se debe subir 387 gradas ya que carece de ascensor. Aqui se cuenta la leyenda del Jorobado de Notre Dame. Su alzado se compone de tres pisos diferentes a otros templos del arte gótica.

Primer nivel: Arcos formeros apuntados sobre enormes columnas.

Segundo nivel: tribuna comunicada con la nave central mediante tres vanos apuntados envueltos por otro mayor, en cada tramo.

Tercer nivel: claristorio con ventanales constituidos por doble vano apuntado y otro superior circular. (Arte Guias, 2011)

Siendo todo hermoso y equilibrado, hay que destacar la belleza de su tribuna, concretamente sus esbeltos arcos y finas columnas. Sin embargo, esta tribuna se mantiene en Notre Dame por inercia del mundo románico o por estética porque aquí ya no cumple funciones de sustentación. La razón es que en esta catedral de París nacen los arbotantes exteriores que se ocupan de dicha función, de apuntalar los empujes laterales de las bóvedas de la nave central.

La catedral Chartres    

     

Se encuentra en la ciudad de Chartres, en el departamento de Eure y Loir, en Francia. Fue construida en los escombros donde existia otra iglesia que se quemo, y la remplazo en solo 27 años (1194 – 1221). Esta obra aquitectónica muestra madurez, oerfección  y uniformidad comparandola con el poco tiempo que se demoro en su construcción, nadie conoce a su autor por eso es llamado ¨Maestro de Chartres¨.  Su planta es bastante compleja y a su ves se ajusta con cada detalle, con sus elementos de construcción y decorativos. Tiene unas vidrieras unicas que no pueden ser imitadas ni estimadas por su calidad y cantidad. La catedral tiene tres fachadas, cada una de ellas con dos torres,sólo previstas, porque las de los cruceros nunca recibieron el remate en punta, y una de las dos de la fachada no lo consiguió hasta el siglo XVI, ya en el estilo florido, que entonces se estilaba en Francia , y con un conjunto de tres portales algo único, nunca visto en ninguna cathedral y sobre cada portal unas magníficas decoraciones en relieve. Pero lo que más admira es una fantástica nave de arcos ojivales (en las bóvedas y en las paredes), a la cual la eliminación del matroneum ha permitido dotar de altas y largas ventanas a cada lado, y de un “rosetón” ubicado cada dos ventanas. desde estas aberturas desciende, filtrada por las inimitables vidrieras originales, rutilantes de rojos, azules y violetas, una luz cálida, mágica, suavemente coloreada. Una luz de una tonalidad tan fantástica, que incluso los cristaleros y los arquitectos góticos se sintieron fascinados ante el espectáculo. (Historia y Biografias, 2014). Siendo este el orgullo de la cathedral.

En el pavimento de la iglesia (en parte reconstruido y en parte original) se puede notar un extraño “laberinto” en espiral. Por no hablar del Asno-que-toca y de la Cerda-que-hila: dos curiosísimas esculturas que adornan  y se encuentran en el muro meridional de la torre sur de la fachada y representan (por lo que se puede leer, ya que están muy corroídas) a un asno que toca la lira y a una cerda que, por tradición, se dice que está hilando la lana.

La catedral Reims

La catedral de Reims esta ubicada en francia. Tenía, como su autor Saint-Denis, un significado importante  para la monarquía francesa. Si esta segunda era la sede del panteón dinástico y el lugar donde se custodiaban los símbolos del poder, los "Regalia", en la primera se coronaban los reyes.

También un incendio, como en Chartres, en Amiens y otras muchas iglesias francesas, cuando corría el año 1210, motivó la reconstrucción de la catedral. Iniciada sólo un año después (en 1211 se coloca la primera piedra), se materializó en cien años. En 1311 parece ser que la fábrica ya estaba concluida. A diferencia de otros edificios contemporáneos, en éste se conocen los nombres de los arquitectos dirigieron la obra. Los proporcionó el laberinto que adorno el pavimento de la nave central y que fue destruido al cambiarse el original por otro nuevo en el siglo XVIII. Gracias a un dibujo sabemos que trabajaron en Reims, y en este orden: Jean d'Orbais, Jean le Loup, Gaucher de Reims y Bernard de Soissons. En el laberinto venía especificada la labor ejecutada por cada uno de ellos. Así el primero fue artífice de la planta y de los trabajos iniciales en el ala oriental hasta el transepto, el segundo terminó el coro y edificó los fundamentos del cuerpo principal del edificio, el hastial occidental y las torres; el tercero intervino en las tres puertas abiertas a los pies del edificio y el último construyó varias bóvedas (cinco en total) y el gran rosetón de los pies. (Arte Historia, 2011)

La planta de Reims muestra como rasgo más sobresaliente el incremento de la cabecera, una de las particularidades de algunas iglesias francesas del siglo XIII, aunque aquí llega a ocupar la mitad justa de todo el edificio. En el resto de la construcción se siguen las pautas habituales. Tiene tres naves, transepto también de tres naves y, en su alzado, el muro interior presenta los tres niveles canónicos: arco, triforio y ventana.  La zona de la cabecera ha alcanzado un gran desarrollo que contrasta con las dimensiones del resto del edificio hasta los pies. La amplitud de toda la zona oriental se justifica igualmente por la necesidad de ubicar el coro en ella.

La catedral de Colonia

La catedral de Colonia es una iglesia católica de estilo neogótico y está bajo el patronato de San Pedro en Alemania;  corresponde al siglo XIX pero su histora empieza mucho antes. El obispado de Colonia comenzó, que sepamos, en el siglo IV, pues hay constancia de que el primer obispo del que sabemos su nombre, Maternus, fue nombrado en escritos en el año 313. Las excavaciones que se realizaron tras la II Guerra Mundial en la zona de la catedral dieron cuenta de una continua utilización del recinto como lugar sagrado a lo largo del tiempo, con abundantes reformas y edificaciones nuevas. Tienen muchas caracteristicas que asombra como sus medidas: las torres tienen 157 metros de altura, el interior 144 metros de longitud y 45 de anchura, y la nave central 45 metros de alto. Pero la verdadera razón por la que la Catedral de Colonia produce admiración es por la bellísima armonía del conjunto que la convierte en una espléndida obra del gótico. Tiene una nave central de verticalidad desmesurada. Vuelven a remarcarse aún más las líneas verticales. La cabecera es más sencilla que en el gótico de Francia.La catedral de Colonia podemos ver una  gran riqueza de vidrieras. En ello hay que entender, además de su valor decorativo y simbólico, otro funcional. Ya que reuelve el problema de  la escasa luminosidad del norte europeo. En su interior podemos observer arcos ojivales tanto en su nave central como en los accesos de los pasillos paralelos.

La catedral de Siena

Esta ubicada en la ciudad de Siena, la obra en sí fue diseñada por Nicola Pisano, pero en ella contribuyeron maestros como Donatello, Miguel Ángel y Gian Lorenzo Bernini. Como en muchos otros casos, la Catedral de Siena se construyó sobre la base de una antigua iglesia que databa del siglo IX. Posee doce escalones que representan a los doce Apóstoles, que conducen al interior dela iglesia. El conjunto de la catedral y el baptisterio, es todo un ejemplo representativo del arte gótico italiano, y constituye un magnífico e impresionante complejo religioso. En el exterior podemos observar, mosaicos bañados en oro de la fachada que fueron añadidos en el siglo XIX y la base de la cúpula es octogonal, (aunque sinceramente yo la veo dodecagonal), haciéndose circular por encima de las columnas de apoyo. linterna de la cúpula fue añadida por el famoso arquitecto barroco, Gian Lorenzo Bernini. En su interior podemos ver la planta de cruz latina con crucero y cúpula con linterna(ventanal Redondo que permite el paso de luz). Arcos de medio punto dividen la nave central de las laterales, mientras que todas las columnas y paredes siguen una convinacion de las franjas en blanco y negro que provienen del exterior y del campanario,. En realidad las bandas son en blanco y un verde muy oscuro, porque los colores blanco y negro son los colores simbólicos de Siena. El  púlpito gótico fue construido entre 1266 y 1268 por Nicola Pisano ayudado por su hijo Giovanni. El púlpito es octogonal y en mármol de carrara. Las tallas representan la vida de Jesús. Se apoya en nueve columnas de granito, mármol verde y pórfido con los capiteles tallados. La columna central se encuentra sobre un conjunto de estatuillas pequeñas que representan las Siete Artes y la Filosofía. Otras columnas se apoyan sobre leones que tienen debajo a sus cachorros y las  otras columnas apoyan sobre la tarima de mármol que se añadió cuando se cambió de su sitio original encima del coro a su actual emplazamiento. (Belok, 2013)

Nicola Pisano

Su fecha de nacimiento es incierta mas o menos fue en los años 1215/1220 – y murio mas o menos en 1278/1284 fue un escultor italiano, considerado uno de los últimos representantes de la escultura medieval (gótico) y a la vez uno de los pioneros del Renacimiento. Se formó en la corte del emperador Federico II. Su obra del púlpito del baptisterio de Pisa, de 1260, puede considerarse como algo sin precedentes en la escultura italiana, sintetizando influencias anteriores y consiguiendo a la vez una unidad compositiva y estilística notable. También realizó el púlpito de la catedral de Siena, de menor influencia clásica pero relieve más profundo y composición más hábil. Esta obra, de finales de los años 1260, fue realizada con ayuda de su hijo Giovanni Pisano. Adquirió su apellido en honor a la ciudad de Pisa, lo mismo que su hijo. El púlpito del baptisterio de Pisa, obra por la cual Pisano adquirió su fama, tiene una forma hexagonal, lo que aumenta la cantidad de relieves. También es el autor del Arca de Santo Domingo en la basílica de Santo Domingo de Bolonia y de la la Fontana Maggiore de Perugia. (Wikipedia, 2014)

Púlpito del baptisterio de Pisa

En esta obra lorgro realizar una sintesis del estilo gótico Frances y del estilo clásico de la Antigua Roma, era parecido a la imagen de los sarcofagos de Piazza dei Miracoli de Pisa.

El Púlpito esta sostenido por una columna central y este esta sobre un pedestal octagonal que esta decorado con esculturas de aimales y telamones; y a su rededor tiene seis columnas de dirente altura, tres de estas sobre un leon respectivamente y las otras tres sobre un pedestal. Los capiteles son corintios que a su ves sostienen arcos goticos trifolios decorados con profetas y evangelistas. Los arcos estan separados por esculturas de San Juan Bautista, San Miguel, las Virtudes y un Hércules desnudo. El púlpito de forma hexagonal tiene en sí cinco escenas talladas en mármol de Carrara sobre la Vida de Cristo : la Natividad, la Anunciación y la Anunciación a los pastores (todas en el primer relevo), la Adoración de los Reyes Magos, la Presentación, la Crucifixión y el Juicio Final. Las figuras están vestidas con túnicas, al estilo romano. La Virgen lleva un palio en la cabeza, como si fuera una matrona romana. La escena del Juicio final se basa probablemente en un marfil bizantino y La Crucifixión fue esculpida con la elegancia del arte gótico francés de su tiempo.

Púlpito de la catedral de Siena

Fue contruida en septiembre de 1265 se se le encargó otra de sus obras más importantes: un púlpito de mármol para la Catedral de Siena. Este fue hecho con mármol de Carrara y esculpido entre finales de 1265 y noviembre de 1268 con la importante colaboración de su hijo Giovanni, sus ayudantes Arnolfo di Cambio y Lapo di Ricevuto, así como otros artistas. Esta es la obra de arte más antigua de las conservadas en la catedral y se considera una obra maestra de Pisano, quien recibió este encargo gracias a la fama adquirida con el púlpito de Pisa, al que se parece aunque es de mayor tamaño. Todos sus elementos están relacionados con la doctrina de la Salvación y el Juicio Final.

Fontana Maggiore de Perugia

Su último gran encargo fue la Fontana Maggiore de Perugia a finales de los años 1270. La fuente, que tiene tres cuencos, fue diseñada por fra Bevignate y Boninsegna. Aunque muestra el dedicado trabajo de Pisano, la mayor parte de las esculturas las realizaron su hijo Giovanni y sus ayudantes. Por su riqueza de detalles y por su iconografía, esta última obra muestra elementos del arte gótico francés.

Giovanni Pisano

Nacio en Pisa en el año de  1248 (actual Italia), murio en 1314. Fue escultor y arquitecto. Aprendió ambos oficios de su padre Nicola, al que ayudo en la  realización del púlpito de la catedral de Siena, la fuente mayor de Perugia y la decoración del baptisterio de Pisa.

Cuando murio su padre, aproximadamente en 1284, se estableció en Siena, probablemente después de ser nombrado maestro de obras de la catedral. Se ocupo del diseño de la fachada que, sin embargo, no se llevó a cabo en su totalidad como él la había concebido, y de la realización de las esculturas que debían embellecerla, las cuales representan a los profetas del Antiguo Testamento que predijeron la llegada de Cristo y constituyen un caso único en el estilo gótico por la variedad de las posturas y expresiones, y por su concepción intensamente dramática.

Se inclino hacia el realismo y la tensión dramática la que con el pasar del tiempo sue criticado por su desempeño , en la escultura, un papel semejante al de Giotto en la pintura. En 1297, Giovanni se trasladó a Pisa, donde ocupó el cargo de maestro de obras de la catedral. Simultaneó este trabajo con la realización del púlpito de la iglesia de San Andrés, en Pistoia, donde retomó el esquema gótico de su padre como punto de partida para una representación de gran viveza plástica y enorme fuerza emocional. (Biografias y vidas, 2014)

El púlpito de la Catedral de Pisa

La planta ya no es poligonal, ahora es un círculo, y los arcos trilobulados más góticos que unian los capiteles  aquí se han convertido en elegantes volutas. Al igual que las columnas de los anteriores, aquí se han convertido en algunos casos en cariátides esto en cuanto a la forma y los elementos arquitectónicos del púlpito. En cambio, en lo referente al repertorio temático sigue siendo el mismo que en las obras precedentes. Si bien se ve mucho más clara la influencia de la escultura del norte de Europa.

 El altar en la Capilla de los Scrovegni

Para decorar la capilla y realizar el altar consideraron a Giovanni Pisano. Quien realizo tres estatuas de altar de mármol de la Virgen con el Niño entre dos diáconos es decir dos angeles que le hacen custodia. Son dos Vírgenes góticas, casi francesas, y si Giovanni imprimía a estas madonas y a los niños carácter italiano, es debido más a los modelos que al artista. Claramente es una escultura gótica ya que el niño Jesus mira fijamente a la Virgen Maria. (Historia del Arte, 2014)

Pulpito de la Iglesia de San Andres

Añade relieves clásicos. En éste púlpito se ve una compleja narración de escenas que ayudan al desarrollo de la liturgia, es considerado un aruitectura esculturia. La estructura es hexagonal (símbolo de la Muerte de Cristo) y se sitúa junto a la pila bautismal que es anterior y de forma octogonal (símbolo de la Resurrección de Cristo), y se armoniza con el conjunto de construcción circular (símbolo del nuevo nacimiento, eternidad y Dios). El púlpito se apoya sobre una gran columna en cuya muestra esculturas de figuras grotescas y animales que simbolizan al paganismo derrotado por el Cristianismo, ésta columna está rodeada por otras seis columnas exteriores. El conjunto es aún muy gótico con arcos trilobulados, aunque ya va introduciendo gran cantidad de elementos clásicos como las figuras de evangelistas y profetas en las esquinas de los arcos y figuras de las virtudes y San Juan Bautista entre cada uno de ellos. Los relieves se organizan de forma armoniosa, separándolos con columnas clásicas. Los paneles muestran una narración consecutiva de escenas evangélicas: La Anunciación, la Natividad, el Anuncio a los pastores, la Adoración de los Magos, la Presentación en el Templo, La Crucifixión y el Juicio Final. Quedan restos de pintura que nos hacen pensar que estuvo policromado, y podemos ver especialmente la utilización de tonos oscuros en los fondos para remarcar el claro-oscuro. lo más destacado es la realización de las figuras, con un estudio maestro del volumen, la expresividad, el tratamiento de cabellos y ropajes, el espacio y el movimiento, la introducción de una ligera ambientación y la maestría en la narración.

Bucolismo

Es una temática de la pintura que suele ambientar en lugares naturales rústicos como bosques y montañas, en cercanía de prados y agua, diálogos de temática amorosa y disputas musicales protagonizadas por pastores, a veces encubriendo personajes o historias de amor reales. En la literatura se refleja a través de géneros como el idilio, la égloga, la serranilla, la pastorela, la égloga dramática o farsa pastoril y la novela pastoril. Aunque el género pastoril tiene origen en los clásicos grecolatinos, y tuvo prolongación en la Edad Media a través de las pastorelas y vaqueras de los trovadores provenzales, se desarrolló sobre todo durante el Renacimiento; suponía una de las vías de escape al paganismo desde la teocéntrica Edad Media al Renacimiento.

Influencia Bizancia y Religiosa

Frente a las pequeñas y oscuras iglesias rurales del románico, el gótico eleva prodigiosas catedrales llenas de luz, desarrolla una importante arquitectura civil e independiza a las otras artes plásticas (pintura y escultura) de su subordinación al soporte arquitectónico.  No obstante, hay también muchos elementos de continuidad: el predominio de la inspiración religiosa en el arte sigue siendo indiscutido, el monasterio como institución apenas varía excepto en detalles formales y de adaptación a nuevos requerimientos, la misma planta de las iglesias sigue siendo predominantemente la cruz latina con cabecera en ábside orientada al este, aunque se complique o varíe (plantas basilicales, colocación del transepto en el centro, complicación de naves, capillas y girolas). Sin duda el principal elemento de continuidad es la concepción intemporal de la obra: en la mayor parte de las construcciones los estilos se suceden y funden al ritmo de los siglos, sabiendo los contemporáneos que hacen una obra que ellos no verán terminada, ni quizá sus hijos o nietos. En muchas de ellas, incluso se pone en valor el atrevimiento por comenzar un desafío técnico o económico (a veces por rivalidad política) que cuando se inicia no se ha planificado cómo terminar, como es el caso de las catedrales de Siena y de Florencia

Giovanni Cimabue

Fue un pintor, arquitecto y mosaísta nacido en Florencia en el año de 1240 y fallecio en el año de 1302; desarrolló su obra a fines del siglo XIII. Sus primeros trabajos están realizados a la manera greca, influencia del bizantinismo, utilizando el temple, con fondo dorado (como en los iconos). En sus obras, se aprecia un rígido estatismo. En el año 1272 Cimabue viajó a Roma donde tomó contacto con el mundo clásico, paleocristiano y románico. Además, conoció a Pietro Cavallini. Todo ello influyó en él para liberarlo de los cánones y maneras bizantinas. Es, entonces, cuando la obra de Cimabue viró hacia una cierta búsqueda de naturalismo. Se le considera un importante pintor pre- giottesco. (Arte España, 2006)

El Crucifijo de  Arezzo

Realizada aproximadamente del año 1270 y fue pintado para la iglesia de Santo Domingo de Arezzo. Muestra su formación como un  maestro de cultura bizantina en la superficie esmaltada y las telas finamente marcadas con el oro, pero marcó ciertas distancias. Se orientó hacia las representaciones recientes de la Crucifixión con el Christus patiens pintado hacia el año 1250 por Giunta Pisano, pero actualizó la iconografía arqueando aún más el cuerpo del Cristo, que se desborda ya ocupando toda la banda izquierda de la cruz. Recordando siempre a los modelos de Giunta, las dos figuras de los paneles a los lados del brazo de la cruz (María y San Juan que estaban representados a medio busto en posición de llanto) y el estilo sobrio, casi caligráfico de representación anatómica del cuerpo del Cristo. La semejanza con el modelo de Giunta se muestra también con una explícita riqueza de los dominicos aretinos, siendo uno de los crucifijos de Giunta conservado en la iglesia principal de la orden, la basílica de Santo Domingo en Bolonia. Otra novedad en el modelo fue el uso del damasquinado en el paño que cubre el cuerpo de Cristo y en los vestidos de los dos dolientes, un motivo usado por vez primera, parece, de Coppo di Marcovaldo y derivado de los iconos bizantinos. Cristo cuenta con músculos pectorales marcados por una musculatura tripartita, las manos extendidas en la cruz, y un suntuoso preciosismo en la cortina. En los extremos del brazo horizontal se pintan los dos dolientes, la Virgen y San Juan, aparece en la mesa con el título dado por Pilato, mientras que los lados hay otro motivo decorativo que imita la tela. Cristo esta ubicado de ubna forma elegante, que pone de relieve la tensión de la tortura y la muerte.

El Crucifijo de Santa Croce

Es un crucifijo grandioso de 3,90 metros, fue pintado de 1275 a 1285 para la iglesia de Santa Croce de Florencia. Resultó muy dañado por las inundaciones de la ciudad en 1966, y ha sido sólo parcialmente restaurado. con la postura de Cristo aún más sinuosa, pero es sobre todo la representación pictórica delicadamente difuminada lo que representa una revolución, con un naturalismo conmovedor (quizá inspirado también por las obras de Nicola Pisano) y privado de aquellos duros golpes gráficos que se encuentran en el crucifijo aretino. La luz ahora es calculada y modela con el claroscuro un volumen realista: los colores brillantes del abdomen, girado hacia la supuesta fuente de la luz, no son los mismos del costado y el hombro, hábilmente representados como iluminados con un ángulo de luz diferente. Las sombras, al igual que los profundos pliegues de los codos, son más oscuros en los surcos entre la cabeza y el hombro, sobre el lado, entre las piernas. (Wikipedia, 2015)

La Maestà di Santa Trinità (Virgen en majestad)

Por el momento se encuentra en la Galería de los Uffizi de Florencia está datada del período 1290-1300. Procede de la iglesia de Santa Trinità. La principal novedad de este retablo es el mayor sentido tridimensionales del trono de María, que crea un verdadero y auténtico escenario debajo del cual se abre una pequeña galería que por un efecto ilusionístico aparece en el centro como una exedra: aquí se encuentran los bustos de Jeremías, Abraham, David e Isaías que parecen haber aparecido en un espacio definido realista. Más tendentes a la disposición en profundidad son las figuras de los ángeles a los lados del trono. Las expresiones son también más dulces, como en el mosaico de la catedral de Pisa, por lo que se considera verosímil colocar la obra en un período en el que Giotto ya estaba activo y su novedad influyó también en el maestro

Duccio di Buoninsegna

Nacio en Siena, actual Italia en 1260 y fallecio en  1318 1319 Pintor italiano. Durante los siglos XIII y XIV, Siena rivalizó con Florencia por ser el centro principal y más dinámico del arte italiano. Y del mismo modo que Giotto revolucionó por esas fechas el arte florentino, Duccio introdujo aires nuevos en el arte sienés, del que fue la figura más sobresaliente. De su vida sólo se sabe que fue multado en varias ocasiones por delitos menores. Su creación artística no está mejor documentada que su trayectoria vital, pero consta con certeza su autoría de una obra capital, que define sus cualidades plásticas y su estilo: Maestà, encargada para la catedral de Siena en 1308 e instalada con gran fasto en su lugar de destino en 1311.

La resurrección de lázaro

Fue realizado en 1310, que se encuentra en el Museo de Arte Kimbell de Fort Worth, Estados Unidos. La pintura formó parte de la predela del altar de la Maestà, en Siena. Esta obra representa la resurrección efectuada por Jesucristo sobre Lázaro ante la mirada de una de sus hermanas. La obra muestra un curioso diálogo entre los asistentes al milagro, representado por los gestos y miradas de los testigos del evento. El paisaje está conformado por rocas poco naturales, más bien simbólicas.

Madonna con el niño

Esta pintada sobre tabla alrededor del año 1300, fue adquirida en noviembre de 2004 por el Metropolitan Museum of Art de Nueva York por una suma que se calcula en 45 millones de dólares, la compra más cara del museo. En 2006 James Beck, un erudito de la Universidad de Columbia, afirmó que cree que la pintura es una falsificación del siglo XIX; el encargado del Metropolitan Museum para Pintura Europea ha discutido dicha afirmación. En esta pintura vemos la jerarquia de la virgin sobre el niño. (Wikipedia, 2015)

Triptico

Pequeño tríptico: Madonna y Niño con cuatro ángeles, los santos Domingo, Inés y siete profetas. Esta dividida en cinco pinturas, marcando jerarquia en la virgin que tiene al niño en sus brazos.

Simone Martini

Nacio en Siena, actual Italia, en el año de 1285 y fallecio en Aviñón, Francia, 1344. Pintor italiano. Fue el creador más destacado de la escuela sienesa después de Duccio, y el mejor intérprete del estilo gótico en la pintura italiana. Debió de formarse en el círculo de Duccio, pero desarrolló de manera muy personal la linealidad del estilo de su maestro y le añadió un gran interés por los efectos de perspectiva, reflejo de las tendencias vigentes en la época. Su estilo apenas evolucionó a lo largo de toda su vida. Desde su primera obra documentada, el gran fresco de la Majestad del Palacio Público de Siena, hizo un uso decorativista de la línea y del color, y fue un creador genial de composiciones elegantes y amables, imbuidas de armonía y refinamiento. En 1317 se trasladó a Nápoles, al servicio de Roberto de Anjou, para quien pintó un destacado retablo inspirado en un tema familiar: el hermano de Roberto, Luis de Tolosa, que acababa de ser canonizado, aparece coronándolo como rey de Nápoles.

Maestà del Ayuntamiento de Siena

La Maestà del Ayuntamiento de Siena es una pintura al fresco fechada en el año 1315 de dimensiones 793 x 970 cm. Esta fue la primera pintura que se conoce de Simone Martini. El tema y la composición los toma de la Maestà de la catedral de Siena, de Duccio de Buoninsegna. Simone, como antes Duccio, continua pintando a la maniera greca, pero sobre el sustrato bizantino incorpora elementos del estilo cortesano francés al mismo tiempo que abandona la rigidez de la composición en líneas horizontales para poner los personajes en movimiento de forma que se acercan o se alejan del trono de la Virgen, lo que produce un efecto de gran naturalidad. El baldaquino de seda y cintas que se mueven al viento, da la réplica a la asamblea humana que en forma de dos semicírculos rodea a la Virgen que ha abandonado también el hieratismo bizantino mostrando una actitud pensativa y dulce. Muestra suavidad y soltura de las figuras que rodean a la Virgen que permiten superar el aspecto de rigidez y monotonía del conjunto. El eco de las miniaturas o de la orfebrería francesas que Martini admiró en su adolescencia resuena en la caligrafía elegante del manto ribeteado de la Virgen o del baldaquino de seda

Giudoriccio da Fogliano

El retrato del capitán Giudoriccio da Fogliano es un fresco de 340 x 968 cm, pintado en el año 1328, ubicado en la pared opuesta a la Maestá en el Palazzo Público de Siena. Representa el triunfo del capitán Giudoriccio y formaba parte del conjunto de castillos pintados alrededor de la sala para celebrar la conquista de Montemassi y Sassoforte. Lo más destacable es la extraordinaria minuciosidad con que Martini describe el campamento militar con las tiendas y los escudos, las barracas de paja y los enramados de los techos. Todo hace suponer que se hubiese trasladado al lugar, tal como había hecho antes de pintar otros dos castillos. El capitán es una elegante figura heráldica con un vestido verde y dorado que asimismo cubre el caballo. Pero el protagonista real del fresco es el paisaje del fondo, una extensión realizada únicamente con los colores siena natural y siena tostado que se complementan armonizándose con el azul del cielo.

Retablo de la Anunciación

Esta Anunciación entre los santos Ansano y Margarita es una pintura al temple sobre tabla, fechada en 1333, realizada conjuntamente con Lippo Memmi para la Catedral de Siena (actualmente en la Galería de los Uffizi de Florencia). Destacan las formas delicadas, el aire lírico, la magnificencia de los vestidos y la belleza de los cuerpos delgados que aproximan este retablo a la orfebrería gótica o al arte de las miniaturas. Muestra la asimilación de los ideales del arte gótico por los pintores de la escuela sienesa. Pero en este retablo, Martini va más allá del arte gótico y muestra cómo ha asimilado los descubrimientos de Giotto: así podemos ver como sobre el fondo dorado entre el ángel y la Virgen, existe el aire para moldear el espacio, es decir, hay una distancia que podemos conocer, asimismo podemos sentir que el pavimento está hecho de una piedra que podemos (en sentido figurado) pisar. El banco donde se sienta la Virgen tiene profundidad es decir, tres dimensiones igual que el libro sostenido en sus manos, en el cual penetra la luz por las páginas entreabiertas.

Giotto di Bondone

Nacio en Colle di Vespignano, actual Italia en 1267 y fallecio en Florenciaen 1337 Arquitecto y pintor italiano. Fue el primer creador italiano en superar las tendencias bizantinas de la pintura de su tiempo y explorar unas orientaciones que acabaron por desembocar en la gran revolución artística del Renacimiento. Existen discrepancias en cuanto a sus orígenes y su formación, pero parece seguro que se formó con Cimabue, en cuya tradición iconográfica se inscriben algunas de sus creaciones, como el Crucifijo de Santa Maria Novella, donde la figura de Cristo está dotada de un sentido humano más profundo que en su maestro.. En 1304 Giotto se trasladó a Padua para pintar los frescos que la familia Scrovegni le encargó en una capilla de su propiedad. Los frescos de esta capilla, denominada de los Scrovegni o de la Arena, son los únicos que se asignan con certeza al maestro. Incluyen un Juicio Final (muro oeste), una Anunciación (arco del presbiterio) y escenas de la Vida de la Virgen y de la Pasión de Cristo (muros restantes), bajo los cuales figuran personificaciones de virtudes y vicios pintadas en grisalla con objeto de crear efectos de relieve.

La adoración de los Reyes Magos

Se encuentra entre los más reputados y admirados de la serie. En el cielo, encima del techo del pesebre, puede observarse la Estrella de Belén, la que, en la iconografía católica, representa la guía divina que condujo a los Reyes Magos hasta Belén. La imagen representada por Giotto tiene forma de cometa (con su cabeza y cola), y ha dominado la idea colectiva que todos tenemos acerca de este episodio bíblico.

La vida de San Francisco

El segundo ciclo de frescos de importancia asociado o atribuido a Giotto es la "Vida de San Francisco" en la iglesia superior de San Francisco de Asís. Si el autor fue en verdad Giotto no es solamente uno de los mayores problemas que enfrentan los expertos, sino también una de las mayores controversias de la historia del arte. Los frescos de San Francisco son, evidentemente, obra de un pintor de enorme talento. Sus retratos íntimos y humanos han definido, en realidad, la imagen popular que se tiene del santo. Pero existen, sin embargo, grandes diferencias técnicas y estilísticas entre estas obras y las de la Capilla de los Scrovegni. Ellas han hecho que muchos críticos se nieguen, aún hoy en día, a aceptarlas como obras del mismo artista. Los intentos de atribuir a Giotto otros frescos de la ciudad de Asís han producido disputas similares entre los estudiosos de su obra.

La Capilla de los Scrovegni

Muestra  figuras de la secuencia narrativa principal están hechas a media escala, pero el concepto de Giotto es tan grandioso y potente que, en la reproducción de un libro, por ejemplo, parecen de tamaño natural. Presentan un sentido tridimensional y una presencia física completamente desconocidas en la época en que fueron realizadas, evidenciando la capacidad del artista para retratar un sentimiento de "peso moral" más que el esplendor religioso o divino.

Gotico en los paises bajos

Jan Van Eyck

Nacio en Maaseyck, actual Bélgica en 1390 y fallecio en 1441. Fue Pintor flamenco. Sin duda, el suyo es el más conocido entre los nombres de los pintores primitivos flamencos, una fama de la que ya gozaba a su muerte; hoy se le sigue considerando uno de los grandes maestros de la pintura. Durante mucho tiempo se le atribuyó la invención de la técnica pictórica del óleo, pero en la actualidad se piensa más bien que la llevó a unos niveles de perfección elevadísimos, desconocidos antes de él. Trabajaba los colores al óleo pacientemente, a veces con la yema de los dedos, hasta plasmar los reflejos luminosos de los objetos y el aspecto cambiante de la luz. Trabajó en La Haya para Juan de Baviera y más tarde en Lille como pintor de corte de Felipe el Bueno, a quien permaneció vinculado durante toda su vida. En 1430 se estableció en Brujas, donde vivió hasta su muerte. Dos años más tarde, en 1432, acabó la que se considera su obra maestra, el gran retablo de la Adoración del cordero místico, realizado para la catedral de Gante. (Biografias y Vidas, 2014)

La Fuente de la Gracia o El triunfo de la Iglesia sobre la Sinagoga

Fue realizada en 1430 como un atribuido a la Escuela de Jan van Eyck, aunque algún autor cree que el cuadro pudo haber sido realizado por un pintor anónimo flamenco.7 Se trata de una alegoría teológica. El cuadro presenta en la parte superior a Cristo sentado en su trono, acompañado de la Virgen y San Juan, a cuyos pies emana un río de hostias consagradas.8 En la parte inferior, a la izquierda la Iglesia cristiana, encabezada por el papa; a la derecha la Sinagoga,9 representada por un grupo de judíos junto a un sumo sacerdote con los ojos vendados, simbolizando la no percepción de "la luz del cristianismo".10 Museo del Prado, Madrid.

Las Virgenes

La Virgen María protagoniza dos papeles importantes : la Virgen del Canciller Rolin que se encuentra en el Louvre de París y la Virgen del canónigo Van der Paele que se conserva en el Museo Groeninge de Brujas. La Virgen del Canciller Rolin fue ejecutada entre 1434 y 1435, y muchos la relacionan con la paz de Arrás estipulada en el año 1435. Fue un encargo del canciller del duque de Borgoña y tenía como destino su capilla en la catedral de Autun. La escena se desarrolla en el interior de un ambiente cerrado pero con una amplia arcada en el fondo que crea un complejo juego de luces y de sombras. Las dos figuras principales, la Virgen y el donante, están perfectamente equilibradas y dispuestas una frente a la otra; la ropa del canciller en adoración está decorado con preciosos bordados, mientras que el Niño tiene en la mano una cruz luminosa y la Virgen está vestida con un largo ropaje rojo sobre el que están recamadas letras de oto los pasos del oficio matutino recitado durante la misa celebrada delante del canciller. Las arcadas dejan asomar una vista de una ciudad fluvial reproducida en todos sus detalles: los edificios, las calles e incluso los minúsculos habitantes. Este detallismo descriptivo en la composición contribuía a su visión de dentro y era considerada como la solución ideal para combinar la representación de un interior con el paisaje exterior que se abre al fondo.

Rogier Van der denWey

Nacio en Tournai, actual Bélgicaen el año de 1400 y fallecio en Bruselas 1464. Fue un pintor flamenco. Aunque fue el pintor flamenco de mayor proyección internacional en su tiempo y uno de los grandes maestros del siglo XV en Flandes, su figura resulta problemática por las confusas referencias documentales. En general, se acepta que es el Rogelet de la Pasture que ingresó en 1427 en el taller de Robert Campin, en Tournai, y que salió de él convertido en maestro pintor en 1432. De hecho, existen coincidencias estilísticas básicas entre ambos artistas, ya que Van der Weyden partió del estilo expresivo, lineal y naturalista de su maestro para dotarlo de una mayor intensidad dramática y un mayor grado de sofisticación y refinamiento.

Crucifixion

La inscripción que parte de la boca de la Virgen, tomada del tratado De laudibus beatae Virginis del cartujo Oglerius de Locedio, pero aquí atribuido a Bernardo de Claraval, es una muestra del Planctus Mariae popularizado en torno al siglo XIV. Aunque habitualmente relacionada con el Maestro de Flemalle o para Erwin Panofsky, al contrario, con algún seguidor de Van der Weyden,65 para Dirk de Vos se trataría indiscutiblemente de una de las primeras obras maestras de Van der Weyden, junto con la Virgen entronizada y el San Jorge de Washington. (Wikipedia, 2014). Podemos observar que un clavo sujeta sus dos pies y que su cabeza esta inclinada

El Desendimiento

Fue una obra realizada en oleo sobre table de 220 x 262 cm y se encuentra en el museo de Prado en la ciudad de Madrid, Una tabla grande en que está pintado el Descendimiento de la cruz, con nuestra Señora y otras ocho figuras, que tiene dos puertas, pintado en ellas por la parte de dentro los quatro evangelistas con los dichos de cada uno con la Resurrección, de mano de maestre Rogier, que solía ser de la Reina María, que tiene de alto la tabla de en medio, por lo que toca a la cruz que en ella está pintada, siete pies y de ancho diez pies escasos.

Retrato de Dama

En la Mirada esta dirigida al espectador, es un rasgo maggnifico en la producción de Van der Weyden, se ha visto una influencia de Jan Van Eyck. Alguna vez se ha tenido por retrato de Ysabiel Goffaert, esposa del pintor, aunque una copia antigua lleva una inscripción que identifica a la dama retratada con Filiberta de Saboya, duquesa de Nemours, nacida en 1498.

Heronimo Van Aeken

Llamado ¨El Bosco¨ fue un pintor flamenco, nacio en 1450 y fallecio en 1516, cuyo verdadero nombre era Jeroen Anthoniszoon van Aeken. Figura sobresaliente del arte de todos los tiempos, está considerado como uno de los mejores pintores del tránsito entre el medievo y la Edad Moderna gracias a su minucioso estilo y su capacidad para recrear escenas oníricas, repletas de símbolos y figuras salidas de su fértil imaginación. El significado de sus cuadros ha sido objeto de estudio durante siglos, y ha sido admirado por movimientos artísticos tales como el surrealismo. (Carvajal, 2010)

El Jardín de las Delicias

Actualmente se conserva en el Museo del Prado de Madrid. El tema representado, de difícil interpretación, es una muestra que juega con la moral y satírico sobre los extravíos eróticos por los que se deja dominar el hombre cediendo al impulso de su sensualidad. En la creación de Eva se plasma una visión del Paraíso Terrenal, en la que se mezclan, fauna y flora, con todas las criaturas creadas por Dios, en un paisaje que se prolonga en la tabla central. En ella se representan los pecados carnales, donde El Bosco, con un hábil dibujo y un delicado cromatismo, recrea un mundo exuberante de pequeñas escenas de apasionado abandono a los goces carnales, en las que ofrece un tratamiento satírico y humorístico. Esta escena se completa con la siguiente en que se realiza una evocación del mundo infernal, presidida por la imaginativa figura de Lucifer, acomodado en su alto sitial, defecando continuamente, de un modo pintoresco, los cuerpos de los condenados que va devorando.

El carro de Heno

Al lado izquierdo vemos la representación de escenas de la creación y del pecado, dentro de la iconografía tradicional. Sin embargo todo gira en torno a la tabla central es decir marca una jerarquia justo donde se encuentra la carreta, cuya escena está inspirada en un proverbio flamenco que dice: "el mundo es un carro de heno, cada uno coge cuanto puede"; en ella está representado el carro de heno, símbolo del carácter efímero y perecedero de las cosas del mundo, y a partir de ahí se desarrollan escenas simbolizando las pasiones humanas como la codicia, avaricia, lujuria, etc. Mientras un grupo de personajes fantásticos, los demonios, arrastran el carro hasta la tabla de la derecha donde se representa el infierno con visiones alucinadas de terror. Es una denuncia de la locura de la humanidad que corre hacia la ruina y la perdición, cegada por el deseo de los de tener mas terrenos.

Los siete pecados capitales

La composición se estructura en un gran medallón central, donde de forma radial se disponen las escenas de los pecados capitales, flanqueado por otros cuatro medallones esquineros y de menor tamaño. Los medallones representan las postrimerías del Hombre: la muerte, el Juicio final, el Infierno y la Gloria, tratadas con una visión más arcaica y enraizada en tradiciones góticas, a excepción de la representación del infierno, típica de sus visiones demoníacas. Las escenas de los pecados capitales, dispuestas de forma radial, aparecen representadas como pequeñas escenas de género, casi de carácter miniaturesco, y están enlazadas por un círculo en cuyo centro aparece Jesucristo resucitado, representado como la retina de un ojo, junto al que se recoge la leyenda Cave, cave Deus videt, reforzando la idea de que nada escapa a los ojos de Dios. (Carvajal, 2010)

Pieter Brueghel "El Viejo"

Nacio en Breda, Países Bajos en  1525, fallecio en  Bruselas, 1569. Pintor holandés. Principal pintor holandés del siglo XVI, en la actualidad es considerado una de las grandes figuras de la historia de la pintura. Realizó sobre todo cuadros de paisaje, de género y de escenas campesinas, en los que con un estilo inspirado en el Bosco reflejó la vida cotidiana con realismo, abundancia de detalles y un gran talento narrativo. Pieter Brueghel aprendió el oficio con Pieter Coeke. En 1551 se incorporó al gremio de pintores de Amberes e inmediatamente después emprendió un viaje por Europa, que lo llevó a Francia, Italia y Suiza. Lo que más le impresionó de su periplo fueron los paisajes de los Alpes, de los que realizó a su vuelta una serie de dibujos que fueron grabados. (Biografias y vidas, 2014)

Parábola de los ciegos

La ceguera humana a la que se refiere Brueghel es de naturaleza moral y no espera nada bueno de los demás. Es una visión crítica, burlesca, similar a la de los proverbios y refranes populares que de modo similar inspiraban al Bosco .

Desde que contempló en los Alpes, con ocasión de su viaje a Italia, la naturaleza cobró en su obra un papel importante y a menudo se convierte en motivo principal, tratado de modo heroico. Brueghel representó los trabajos, los juegos y las luchas de los hombres, en contraste con la inalterable y suprema indiferencia de la naturaleza. Con esta visión panorámica del mundo, Brueghel ilustró un aspecto esencial del pensamiento humanista.

El Triunfo de la Muerte

Es otra de las obras bien conocidas de Brueghel. Es un óleo sobre tabla, pintado hacia el año 1562. Mide 117 cm de alto y 162 cm de ancho. Se exhibe actualmente en el Museo del Prado de Madrid.. Esta tabla del Prado recuerda a las obras de El Bosco, en su aspecto satírico y moralizante. La influencia del Bosco se deja ver en la amplitud del cuadro, las múltiples escenas, pintadas con gran detalle, en las que se va representando las distintas formas en que la Muerte derrota a la vida. Es un cuadro que recuerda el tema medieval de las danzas de la muerte. Pero un simple vistazo a esta obra y su paralela de cien años antes, El Jardín de las Delicias, evidencia una diferencia fundamental: las hordas de Brueghel están compuestas por esqueletos, no demonios, lo que sugiere un pesimismo ateo no suavizado por ninguna creencia en un cielo.

Vista de Nápoles

Finalmente en 1558, Brueghel realiza el trabajo que le encargó Cock, de representar barcos. Un tema muy oportuno y apreciado en aquel momento, si tenemos en cuenta que Amberes poseía una de las mayores flotas marítimas. El resultado fue realmente asombroso. El artista demostraba una vez más el dominio de la técnica pictórica y su experiencia con la luz y la perspectiva. Dejaba el mundo de los seres satánicos, de locos y demonios para afrontar otro nuevo reto. Con ello logró no sólo el reconocimiento unánime de sus contemporáneos y futuras generaciones, sino demostrar que el calificativo que le impuso una biografía de 1609 –en el que se le tachaba de "ignorante dedicado a la pintura cómica"- era tan incierto y absurdo como los personajes irreales sacados de su imaginación.